Les sculptures présentées dans cet ouvrage, créées dans une période allant des années 1920 aux années 1950, relèvent du langage multiforme que nous fédérons aujourd'hui sous le terme général "d'art déco". Il peut s'agir de statues indépendantes vouées à agrémenter quelque intérieur domestique ou bien d'élements de décors architecturaux, tels que frises de façade, fontaines ou autres monuments publics. Le lecteur peu initié jugera peut-être le spectre stylistique excessivement large, sinon hétéroclite. Depuis son apparition dans les années 1960, cette notion "d'Art déco" n'a cessé, de fait, de soulever la question de ce qu'elle englobe et de ce qu'elle exclut.
Deux camps continuent de s'affronter quant à la définition de ce terme appliqué à la modernité ornementale des années de l'entre-deux-guerres. Tous deux s'accordent néanmoins à y voir un renversement de la syntaxe en vigueur jusqu'alors dans les beaux-arts, vocabulaire néoclassique ou néomédiéval fait d'entablements, de colonnes, d'arcs-boutants, de gargouilles, d'ogives et d'architraves. Mais le consensus achoppe lorsqu'il s'agit de déterminer ce qui constitue véritablement l'identité du style. S'agit-il de la géométrie exubérante des Salons parisiens du lendemain de la Première Guerre mondiale, avec ses chevrons, arcs, rayons solaires, abstractions florales, fontaines, nymphes et biches ? Ou bien d'un "modernisme" plus américain, pétri de jazz et de machinisme, dont les formes profilées, fuselées comme des carlingues, inspirèrent tant les architectes des années 1930 ?
Le débat se révèle en définitive sans objet, aucune des deux tendances ne parvenant à faire le tour d'un style que l'on pourrait définir plus judicieusement comme un corpus d'oeuvres large et hétérogène, dont les caractéristiques contradictoires apparaissent précisément comme le véritable dénominateur commun. Le terme fédère en réalité une variété de styles décoratifs propres au XXe siècle naissant, dont les sources d'inspiration vont du passé le plus lointain au futur le plus hypothétique, du tombeau de Toutankhamon au vaisseau spatial de Buck Rogers. Quant au présent, il se manifeste dans le fonctionnalisme des matériaux produits en masse, qui sonnèrent le glas de l'architecture de pierre et terre cuite, tout comme ils avaient rendu obsolètes les arts appliqués traditionnels. L'homme moderne n'a d'yeux désormais que pour l'acier, le dernier don de la technologie aux bâtisseurs, qui fascine par sa formidable résistance à la traction et ses surfaces rutilantes.
Quoiqu'il en soit, force est d'admettre que le terme "Art déco" a fait un long chemin depuis sa genèse, et pourquoi donc le refuser à des créations auxquelles l'ont associé des décennies de publications et d'expositions ? En un mot, l'Art déco est un art du pastiche, une bannière fédératrice qui renvoie à une vision romancée et nostalgique des Années folles, suscitant une adhésion immédiate chez ses adeptes ou parmi le grand public.
De tous les styles décoratifs du XXe siècle, l'art déco est le plus élaboré. Il s'est développé, dans ses formes les plus pures, à partir d'une conception typiquement française du luxe et du raffinement, qui privilégiaient souvent dans les années vingt les matériaux exotiques et précieux. Cette étude poussée met en valeur et replace dans leur contexte historique les oeuvres sculptées de ce mouvement. De très nombreuses illustrations éclairent ici la richesse des productions de l'époque et la remarquable variété de styles et de formes que prendront les motifs sculptés. Rendant hommage à la richesse formelle et à la diversité internationale de l'Art déco, Alastair Duncan s'attelle à étudier ce sujet sous trois angles distincts : les avant-gardes de l'entre-deux-guerres et leurs principaux acteurs, la sculpture dans les arts commerciaux et décoratifs et enfin la sculpture architecturale et monumentale dans le monde.
Complété par des biogaphies détaillées des principaux artistes du mouvement, cet ouvrage fera autorité auprès de tous les amateurs d'Art déco.
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